Le designer Erik Olovsson, basé à Stockholm, est le créateur de vases « fondant », intitulés Indefinite Vases. A partir de verre soufflé à la main, il pose chaque pièce sur des blocs de pierres anguleux et géométriques, de couleurs différentes et de formats variés. Il explique que ce projet explore « la relation entre la géométrie et les formes organiques – la transparence et l’opacité ». Fonctionnels et décoratifs, il considère ces vases comme des sculptures et des contenants à la fois.
Liaison astéroïde de Imi Knoebel à la Galerie Thaddaeus Ropac du Marais à Paris. jusqu’au 2 juillet 2016
vue de l’exposition « Liaison astéroïde » de Imi Knoebel – galerie Thaddaeus Ropac
Liaison astéroïde se compose de 22 peintures abstraites acryliques sur aluminium qui se présentent par groupes de panneaux géométriques. Elles se distinguent par une construction extrêmement précise et sensuelle.
Avec sa nouvelle série, l’artiste minimaliste allemand, Imi Knoebel, explore encore une variété remarquable de démarches possibles dans le domaine de la réduction et de l’abstraction tout en gardant un subtil équilibre intemporel. Comme Malevitch, son maître incontestable, Imi Knoebel, confirme ici son goût pour une manipulation émotionnelle de la géométrie, aspirant à la création presque métaphysique d’une œuvre qui se situe entre spiritualité et matérialité.
Le titre de l’exposition s’inspire en réalité de la découverte de la composition de la planète Itokawa qui s’est formée à la suite de la collision de deux astéroïdes de compositions différentes. Ceux-ci auraient fusionné et formé un seul astéroïde difforme « ressemblant à une cacahuète » dont la partie la plus développée consiste en une pierre sableuse et poreuse tandis que sa tête est composée d’une pierre granitaire et dense.
Fasciné par le côté difforme de cet astéroïde, Imi Knoebel considère que le manque de cohérence et l’irrégularité de la composition font partie intégrante de son identité. Les grands formats de sa nouvelle série reprennent ainsi l’idée de l’identité propre d’un corps amorphe, fondé sur la liaison de deux éléments distincts. Il en va comme si ces peintures possédaient une double ou même une multiple personnalité où des formes claires et rectangulaires se mélangent à des formes rondes et circulaires, presque organiques.
Bild 15.03.2016 Acryl / Aluminium 205,8 x 240,5 x 4,5 cm Imi Knoebel – courtesy Thaddaeus RopacBild 25.02.2016 Acryl / Aluminium 195,2 x 220,5 x 4,5 cm Imi Knoebel – courtesy Thaddaeus RopacBild 16.02.2016 Acryl / Aluminium 239,5 x 242,2 x 4,5 cm Imi Knoebel – courtesy Thaddaeus RopacBild 13.11.2015 Acryl / Aluminium 214 x 209 x 24 cm Imi Knoebel – courtesy Thaddaeus Ropac
Liaison Astéroïde de Imi Knoebel – Galerie Thaddaeus Ropac, 7 rue Debelleyme 75003 Paris
Thecuadro est un jeune artiste espagnol qui réalise des collages à la fois chaotiques et structurés, où il explore la dualité de l’être humain, entre ce qu’il veut devenir et ce qu’il montre aux autres. Avec ses compositions, qu’il fait soit numériquement soit à la main, Thecuadro propose des créations qui ne sont plus tout à fait de la photographie, de l’art digital, ni de l’artisanat mais tout cela à la fois.
Danny Lyon: Message to the Future est la première rétrospective complète de la carrière de Danny Lyon (né en 1942) et présente vingt-cinq ans de son travail. L’exposition organisée par les Musées des Beaux-Arts de San Francisco sera présentée tout d’abord au Whitney de juin à septembre 2016 avant de se rendre à San Francisco.
L’exposition rassemble environ 175 photographies et de films connexes et courts pour mettre en évidence la préoccupation de Danny Lyon avec les questions sociales et politiques et le bien-être des individus considérés par beaucoup comme en marge de la société. La présentation comprend de nombreux objets qui ont rarement ou jamais été exposées avant et offre un regard rare à des œuvres provenant des archives de Lyon aux côtés de prêts importants provenant de grandes collections publiques et privées aux États-Unis. C’est également la première exposition pour évaluer les réalisations de l’artiste en tant que cinéaste.
Une figure de proue du mouvement américain de la photographie de rue des années 1960, Lyon s’est distingué par l’intimité personnelle qu’il établit avec ses sujets et l’inventivité de sa pratique. Avec sa capacité à trouver la beauté dans une réalité crue, Lyon a travers son travail a fourni une solution de rechange chargée à la vision fade de la vie américaine souvent représentée dans les médias de masse.
Les œuvres complexes et multicouches de Njideka Akunyili Crosby reflètent une identité transculturelle contemporaine. Les grandes compositions figuratives de Akunyili Crosby, combinant dessin, peinture, collage sur papier, sont tirées des souvenirs et des expériences de l’artiste.
Elle utilise le langage visuel et les traditions héritées de la peinture occidentale académique et classique, en particulier le portrait et la nature morte. Et ces personnages et les scènes de Akunyili Crosby, occupent une zone liminale, que le théoricien post-coloniale Homi K. Bhabha appelle « le troisième espace », un point de chevauchement, de fusion et de mélange des influences culturelles spécifiques aux communautés de la diaspora.
Akunyili Crosby est né au Nigeria, où elle a vécu jusqu’à l’âge de seize ans. En 1999, elle a déménagé aux États-Unis, où elle vit depuis. Son identité culturelle combine de forts attachements au pays de sa naissance et à son pays d’adoption, une identité hybride qui se reflète dans son travail. L’artiste remplit son travail avec des images de sa famille et de ses amis, dans des scénarios dont les détails sont tirés des expériences nationales de tous les jours au Nigeria et en Amérique. Ceux-ci comprennent des souvenirs des années de formation de son éducation, ainsi que les relations les plus récentes et les expériences. Son travail se caractérise souvent par un élément d’autoportrait, comme dans une série de scènes intimes de l’artiste avec son mari fait dans les premières années de leur mariage.Les compositions picturales de Akunyili Crosby sont complétées et renforcées par des éléments de collage soigneusement choisis et intégrés, principalement des transferts d’acétone de petites images photographiques. Certaines de ces images sont issues des archives de l’artiste, faites de clichés personnels, de magazines et de publicités, tandis que d’autres proviennent d’Internet. Ces éléments présentent une métaphore visuelle convaincante pour les couches de mémoire personnelle et l’histoire culturelle qui informent et rehaussent l’expérience du présent.
Le travail pluridisciplinaire de Javier RIERA était récemment présenté lors du dernier PhotoEspaña Festival.Il crée sur installations faites de projections de formes géométriques lumineuses directement sur la végétation et le paysage. Dans des espaces naturels, préalablement choisis, il met en place son matériel et les moyens nécessaires pour mener à bien ses interventions d’éclairage qui, par leur nature même, sont éphémères. Il utilise ensuite la photographie comme un moyen d’enregistrement, de diffusion et d’immortalisation de cette rencontre entre le paysage et les formes lumineuses projetées. La relation entre la géométrie et le paysage a été largement traitée, à partir du début du XXe siècle dans l’architecture et la sculpture. Dans les deux cas, les matériaux constituant la géométrie avaient une consistance physique en fonction des médiums utilisés. Dans son travail, la géométrie est aussi intangible que l’élément lumière. La résonance qu’il suscite de la superposition des deux langages visuels, apparemment opposés, que sont la précision de la géométrie et l’irrégularité du paysage est le cœur de sa démarche. Ce qui existe dans un paysage peut être décrit et expliqué avec les mathématiques, la physique, les sciences. Ce que Javier Riera cherche c’est révéler les aspects de l’énergie invisible, ouvrir différentes dimensions, rendre visible des aspects cachés de la réalité, créer une harmonie et révéler la relation entre l’espace réel et l’espace temps. La géométrie projetée devient la clé qui ouvre cette visibilité. Elle permet un voyage initiatique du monde naturel vers le surnaturel, une connexion de l’âme avec l’animisme de l’humanité, tels des rituels chamaniques des temps modernes en créant une évocation moderne aux arts rupestres.
Le designer Erik Olovsson, basé à Stockholm, est le créateur de vases « fondant », intitulés Indefinite Vases. A partir de verre soufflé à la main, il pose chaque pièce sur des blocs de pierres anguleux et géométriques, de couleurs différentes et de formats variés. Il explique que ce projet explore « la relation entre la géométrie et les formes organiques – la transparence et l’opacité ». Fonctionnels et décoratifs, il considère ces vases comme des sculptures et des contenants à la fois.
